Tout comme les Hommes, les matériaux sont vite classés selon un certain nombre de critères validés par les valeurs de l’époque mais même s’ils semblent placés « en bas de l’échelle » , ils ont pourtant des qualités qui pour certains, les mettent au sommet.
Il en est ainsi pour le Zinc, minerai très courant à l’état naturel que l’on a d’abord utilisé pour les éléments architecturaux d’extérieur (toiture, gouttières, épi de faîtage, garniture de fenêtre,….) pour ensuite, mettre à profit ses qualités dans la production d’objets du quotidien.
 Métal blanc gris bleu, le Zinc a bien des qualités qui font qu’il a été largement utilisé durant plusieurs décennies, avec un âge d’or au XIXè siècle avant d’être détronné (comme beaucoup d’autres matériaux: faience, porcelaine, bakelite, bois, etc…)  dans les années 1950, par les matières plastiques.

Pour les amateurs de petits objets du quotidien, on le chine avec les arrosoirs, les porte-bouteilles, seaux, brocs, bassines, baignoires et tous ces éléments décoratifs de jardin, pots, jardinières, fontaines, mais aussi avec les ornements décoratifs architecturaux: frises de toiture, oeil de boeuf, épi de faîtage, girouette, etc…

 Aujourd’hui, tous ces petits objets peuvent être ré-utilisés dans une déco très contemporaine tant la patine naturelle du zinc ajoute une touche de nostalgie, la matière semblant garder mémoire du temps qui passe, tout comme la peau humaine.
 Ses qualités: léger donc aisément transportable, résistant, malléable, transformable, esthétique à l’état neuf mais aussi oxydé, facilement transformable industriellement (le zinc peut être moulé, coulé, fondu, embouti, serti, estampé,….), font qu’il a largement été utilisé pour des pièces utilitaires d’architecture comme pour de petits objets plus utiles au quotidien.
Associé à d’autres métaux, il retrouve une « certaine noblesse »: en effet, le laiton est un alliage de cuivre et de zinc ainsi que le bronze qui lui, est un alliage de cuivre d’étain et de zinc.
La Nature aime les mélanges….. Il  y a toujours beaucoup plus à gagner dans l’échange, le partage, l’union, l’association que dans le conservatisme et le repli sur soi.

Il y a de la philosophie dans tout…. et si j’en avais le temps, pour développer et préciser ma pensée, pourquoi ne pas écrire un pamphlet, qui pourrait être intitulé « le petit traité du zinc » ?

 Le littoral et particulièrement le littoral de Bretagne, est un lieu privilégié pour découvrir des Ex-Votos.
Sainte-Anne, grand-mère de Jésus et sainte patronne des bretons, s’est vue offrir un grand nombre d’Ex-Votos en remerciements de la grâce accordée aux Marins-Pêcheurs, un jour en détresse.
Chaque année, une procession appelée « Pardon » se tient dans de nombreuses communes de Bretagne, pour honorer un ou plusieurs saints; dans les ports, le prêtre procéde après la messe, à la bénédiction de tous les bateaux. Certains Ex-Votos, notamment les maquettes de bateaux font partie de la procession au même titre que les bannières et reliquaires, portés par les pélerins.

Ex-Voto – Tableau de Ulysse Louis Auguste Butin (1838-1883)  Musée des Beaux Arts de Lille

Ce symbole de foi et de reconnaissance est universel et dans de nombreux pays du monde, on trouve des Ex-Votos, et ce, depuis les débuts du christianisme.
 

 

 
 

Il n’est plus utilisé aujourd’hui, pourtant il y a quelques dizaines d’années cet « objet à mécanisme » était une innovation, bien appréciée par une certaine catégorie de sportifs.

Constitué d’un cadre en bois, sur lequel est fixé un mécanisme métallique.

La poignée centrale bascule permettant aux deux cadres de bois de se rapprocher l’un de l’autre.

Un cadre de maintien, en quelque sorte.
Mais pour maintenir quoi ?

Vous avez trouvé ?

Caverne d’Ali Baba, souks, éléphants, sultans et princesses sensuelles : la construction du mythe :

Pendant toute la période médiévale, les seules idées que se faisaient les occidentaux de l’Orient résidaient dans des préjugés tenaces nés des conflits malheureusement nombreux entre ces deux groupes culturellement et religieusement très distincts. Les orientaux, autant que les occidentaux, étaient très pieux et voulaient donc faire la guerre aux païens : les tentatives d’invasions et de combats armés étaient fréquentes. En cas de relations plus cordiales, les Ottomans étaient reconnus par les Occidentaux pour le commerce de la soie et autres textiles précieux, de fourrures, de tapis et de pierreries.

Mais le regard occidental change dès les premières années du XVIIIe  grâce à la traduction française des merveilleux Contes des Mille et une Nuit,  recueil d’aventures et d’intrigues mystérieuses typiquement orientales. Ces poèmes constituent le point de départ de cette attirance irrationnelle pour le monde des Sultans, attirance qui poussera des dizaines d’artistes à partir en Afrique du Nord ou en Turquie. Mais pour les artistes qui ne voudront pas faire le voyage risqué, les Contes s’établiront d’eux-mêmes comme la Bible de l’orientalisme. Les Turqueries investissent alors autant la littérature, que la musique, la peinture ou le décor d’ameublement. La machine orientaliste est en route.

Qui veut être peintre orientaliste doit voyager

C’est au XIX° siècle qu’explose véritablement l’engouement pour l’Orient que l’on pense autant luxueux que mystérieux. Les nombreuses campagnes en Egypte, Algérie ou en Turquie attisent également cette curiosité grandissante : les artistes veulent partir pour voir de leurs propres yeux à quoi ressemble ce monde méditerranéen.

Victor Hugo écrit ses Orientales, Delacroix relate les Massacres de Chio, Ingres dépeint les fameux bains turcs habités par des chairs souples et sensuelles. Les intellectuels veulent donc percer les mystères de ses régions inconnues et ramener de vraies images en Europe : le voyage sur place s’impose. Les artistes s’improvisent explorateurs, profitant des charges consulaires, scientifiques ou commerciales qui leur sont confiées pour se documenter et étudier ces cultures nouvelles.

Le voyage est parfois un grand bouleversement pour l’artiste : il  ne le fait qu’une fois dans sa vie mais l’expédition le marque psychologiquement et artistiquement jusqu’à la fin de sa vie. Les palettes évoluent très nettement, deviennent plus chaudes, plus rouge, afin de mieux exalter la chaude lumière méditerranéenne. Il est par la suite parfois impossible de revenir au style initié avant le voyage. Il existe bel et bien un « avant » et un « après » l’Orient.

Mais quel voyage !
Les curieux s’exposent à de nombreux dangers et s’impliquent dans une aventure périlleuse, ce qui, paradoxalement, excite l’appétit de l’artiste. Le voyageur occidental devait être doté une bonne dose de bravoure pour avoir envie d’un tel voyage car il n’était certainement pas habitué à dormir dans un caravansérail spartiate, entouré de chameaux. Le pauvre artiste était aussi en proie aux maladies et au brigandage, surtout s’il dormait à la belle étoile dans le désert. Même le travail est source de problèmes ! Les artistes, qui ne se contentent pas de retranscrire des paysages sur leurs carnets de croquis, veulent rapporter en Europe des images des coutumes, des personnalités et des activités quotidiennes. Or, la religion musulmane est assez réfractaire à la représentation humaine, ce qui oblige les artistes à faire leurs croquis en cachette.
Ne nous leurrons donc pas ! Le voyage est plus un mythe qu’une réalité et nombre de peintres orientalistes n’ont voyagé qu’autour de leur chevalet grâce aux récits de voyages souvent aquarellés des plus courageux, inspirés par les objets ramenés et les premières photographies prises sur le terrain. Pour les peintres espagnols les plus couards par exemple, le voyage se situe en Andalousie, terre d’inspiration déjà inépuisable mais pas trop lointaine.

Pauline Balayer (étudiante à l’Ecole du Louvre)

La bijouterie fut une des expressions les plus créatrices et réussies du style Art Nouveau. De merveilleux objets d’une exceptionnelle beauté furent créés ; sensuels, féminins et inspirés par la nature.

Bijou représentant un paon – Lalique

L’Art Nouveau : quand la nature supplante le diamant

L’Art nouveau est un mouvement artistique de la fin du XIX° et du début du XX° siècle qui s’appuie sur l’esthétique des lignes courbes. Né en réaction contre les dérives de l’industrialisation à outrance et la reproduction sclérosante des grands styles jugés « pompeux et inhibés », c’est un mouvement soudain, rapide mais également très bref et puissant puisqu’il connaîtra un développement international.
S’il comporte des nuances selon les pays, les critères sont communs : l’Art nouveau se caractérise par un vocabulaire d’expression beaucoup plus autonome, un libre cours laissé à l’inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornementations, inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, introduisant une certaine sensibilité au décor quotidien.
Si les motifs des bijoux Art Nouveau ont fait preuve d’une impressionnante variété, les motifs naturalistes en particulier eurent un succès très marqué. En effet, l’intérêt des époques Victorienne et Classique pour le monde de la nature trouva pleinement son bonheur avec  la naissance de l’Art Nouveau. Papillons, libellules, serpents, fleurs de lotus, lilas, pavots, iris et feuilles de lierre furent les motifs dominants. Les plantes exotiques aussi eurent beaucoup de succès, comme les feuilles de Ginkgo ou les orchidées. Tout un répertoire qui retranscrit une poésie et une délicatesse incomparable aux objets, en particulier les bijoux.

Libellule Lalique

La joaillerie revisitée par l’Art Nouveau

Durant les deux siècles précédant l’Art Nouveau, la joaillerie fine s’était centrée sur les pierres précieuses, particulièrement sur les diamants. La préoccupation du joaillier consistant principalement à former un cadre adapté, afin que la pierre resplendisse.
Avec l’Art Nouveau, un type inédit de joaillerie voit le jour, motivé et dirigé par le concept du dessin artistique, ne donnant plus l’importance centrale du bijou à la pierre sertie. En effet, l’objectif final à atteindre était l’originalité, la beauté du bijou et non seulement la valeur intrinsèque des matériaux utilisés. Ainsi, dans la majorité des créations, les pierres précieuses cédèrent leur place prédominante, les diamants étant relégués à un rôle subsidiaire en combinaison à des matériaux moins habituels comme le verre modelé, l’ivoire et la corne.
L’influence du style Art Nouveau se retrouve dans tous les types de bijoux : bagues, broches, colliers, pendentifs, bracelets, mais aussi boutons de manchettes, épingles à chapeau, boucles de ceintures, diadèmes … Les bijoutiers principaux du style Art Nouveau que furent Louis Comfort Tiffany, René Lalique, Philippe Wolfers, Karl Fabergé et Georges Fouquet, s’en donnèrent à coeur  joie, créant des bijoux extraordinairement beaux et originaux, foisonnant de femmes fatales, bestiaires fantastique, superbes papillons, libellules et fleurs exotiques.
L’art de la joaillerie connut ainsi un coup de jeune incontestable par le biais de l’Art Nouveau et son vocabulaire organique.

Wolfers – Orchidée – élément pour cheveux

Le joailler se fait créateur

Les joaillers furent aux premières loges de cette révolution stylistique, expérimentant de nouvelles formes, de nouveaux matériaux et de nouvelles techniques. Leur statut va alors évoluer pour prendre une connotation artistique et un prestige à la hauteur de leurs réalisations.
Les joailliers de Paris et Bruxelles furent les principaux instigateurs de cette mode Art Nouveau appliquée à la joaillerie, lui donnant un nouveau souffle. Les joailliers désiraient effectivement se démarquer, tout en inscrivant ce nouveau style dans une tradition, puisant leur inspiration dans la Renaissance : évoquons notamment les bijoux en or émaillé et sculpté. La perception du métier de joaillier évolue, il est dès lors considéré par ses créations comme artiste et non plus comme artisan.
La renommée du style Art nouveau ne se fera pas attendre, et les critiques français contemporains furent unanimes : l’art de la joaillerie traversait une transformation radicale. C’est d’ailleurs dans cette voie qu’un joailler et maître verrier en pleine ascension connaîtra une incroyable renommée : le célèbre René Lalique. En effet, les créations Lalique s’inscrivirent indéniablement dans le mouvement Art Nouveau, glorifiant la nature, et amplifiant un répertoire d’éléments peu conventionnels jusqu’alors –les libellules et plantes – inspirés par les dessins de l’art japonais.

Attache de foulard, proposée par Expertissim

Un joailler égyptophile ?

Pour ajouter à notre lecture une petite touche d’exotisme, abordons de plus près ce petit scarabée proposé par Expertissim, que l’on pourrait croire fraichement inhumé du sable égyptien. Plus qu’un support privilégié à l’étude de l’Art Nouveau, il est aussi une occasion rêvée d’aborder une autre facette de l’art français encore bien vivace à l’aube du XX° siècle : l’égyptomanie.
A la recherche de nouveaux motifs et en quête avide d’authenticité, certains créateurs-joaillers vont ainsi stimuler la soif d’exotisme du public, et suggérer l’évasion à travers leurs créations.
De tout temps, l’Egypte antique est une source inépuisable d’histoires et de personnages fascinants qui ont alimenté l’imagination populaire : Toutankhamon et son trésor, la beauté (et le nez ) de Cléopâtre, Isis et Osiris, sans oublier la momie : sujet « porteur » par excellence. Tous les domaines de l’art et de la vie quotidienne furent, à un moment ou à un autre,  affectés par l’égyptomanie. En 1900, cette tendance avait déjà plus d’un siècle, née de la campagne napoléonienne. Cette expédition ne fut pas seulement une campagne militaire ; Bonaparte emmena avec lui des savants et des artistes qui purent étudier et peindre à loisir les vestiges de l’ancienne Égypte. La passion de l’Egypte s’alluma comme un feu de paille et l’on vit se multiplier les courses effrénées aux antiquités pour satisfaire la demande des collectionneurs et des musées. De plus, la découverte de la pierre de rosette et la construction du canal de Suez renouvelèrent efficacement cette curiosité pour la civilisation égyptienne. Cette mode se traduisit dans de nombreux domaines : en musique notamment avec le célèbre opéra de Verdi : Aïda, en littérature avec le bien-connu Roman de la Momie de T. Gautier.
Enfin, au printemps 1900, lors de l’Exposition universelle à Paris, le public put apprécier les vestiges égyptiens découverts par le savant dijonnais Albert Gayet. Cette manifestation spectaculaire confirma une véritable tendance égyptophile dans la mode parisienne, soulignant l’intérêt croissant porté à cette civilisation.

Par Elodie LUTUN (étudiante à l’ICART)

 C’est aujourd’hui et demain, 27 et 28 mars 2010, que le Symev, organise sur toute la France ses « Journées Marteau » qui ont pour but de communiquer sur les activités et le savoir-faire des Commissaires Priseurs.
Chaque commissaire-priseur qui souhaite participer à ces Journées Portes Ouvertes organise sa manifestation pour mieux faire connaître les ventes dites volontaires (ventes de successions, de collections, d’indivision ou plus simplement de toute personne souhaitant mettre en vente un objet personnel).

Cette année, c’est la 5è édition d’une manifestation ouverte au plus grand nombre, pour découvrir le monde des enchères et aussi, « faire de bonnes affaires ».
 Comment faire estimer un objet, comment acheter aux enchères et connaître les astuces des professionnels, autant d’animations , de journées gratuites d’expertises organisées dans bon nombre d’ Hôtels des ventes.

A noter également que lors de ces 2 journées « Week-End au Marteau », les maisons de ventes sont invitées à vendre un objet dont le produit sera reversé en totalité à l’UNICEF.
C’est dans ce cadre que Lydie Brioult (27) donnera la totalité de sa vente du 27 mars à cet organisme.
Une initiative à saluer !

Toutes les infos: Téléchargement Infos Presse Week-End Marteau 2010

C’est sans pudeur qu’Expertissim vous présente cette petite danseuse nue, fondue dans le bronze par Paul Philippe à la fin du XIXe ou début du XXe. Cette petite danseuse nous tire sa plus belle révérence en esquissant un discret sourire séducteur. Son geste est léger, comme suspendu dans le temps.

La danse à la Belle Epoque :

La danse inspire largement les sculpteurs en cette fin de XIXe siècle. On retiendra par exemple les célèbres reliefs allégoriques de la Danse qui ornent l’édifice de l’opéra Garnier, mais le succès de nombreux bronzes de taille réduite est indéniable. Ces petites sculptures, destinées à des collections privées, sont commandées par des bourgeois cultivés qui fréquentent les salles de spectacle et assistent régulièrement à des représentations de ballets à l’Opéra Garnier, très récemment construit. C’est justement à cette période que prennent forme des ballets aussi célèbres que Le Lac des cygnes, Casse-noisette ou La Belle au bois dormant.
Mais par son modelé et ses formes rondes féminines, cette statuette présentée par Expertissim est bien différente des fameux petits rats frêles en tutu de Degas. La surface corporelle satinée et la plénitude des formes idéalisées nous charment immédiatement, parce qu’ils n’évoquent justement pas la danseuse traditionnelle mais la femme accomplie qui exécute une danse charmante spécialement pour nous, spectateur hypnotisé.

Une danseuse exotique tout en douceur

Grâce à un polissage parfait de la patine, cette danseuse semble avoir la peau extrêmement douce. Ce style n’est pas sans rappeler les figures très lisses du sculpteur Aristide Maillol dont Paul Philippe est l’exact contemporain, mais notre danseuse nue s’y oppose par la sérénité qui émane de son visage. Ses traits sont tout aussi travaillés que sa texture, et nous suggèrent une certaine fantaisie, à cause d’un regard à peine moqueur. L’expressivité, presque poussée à l’exubérance, de sa révérence très hanchée, peut avoir été inspiré de Joséphine Baker et de danses venues d’Afrique que Paul Philippe a pu observer lors des nombreuses expositions coloniales qui ont lieu à Paris pendant la première partie du siècle. Cet exotisme sous-jacent souligné par une pointe de sensualité féminine, accroît le charme de cette danseuse.

Pauline Balayer (Etudiante à l’Ecole du Louvre)

Expertissim vous présente un grand vase de verre DAUM ovoïde allongé, doublé marron sur fond blanc nuancé vert, au décor gravé en camée à l’acide qui n’est pas sans rappeler le style végétal Art Nouveau.

La verrerie Daum ou la naissance de l’innovation :

Ancien notaire, Jean Daum s’installe à Nancy en 1876 et rachète la verrerie Sainte-Catherine, une manufacture en difficulté qui produisait du flaconnage et de la gobeleterie ordinaire. A la mort de Jean (1885), son fils Auguste, aidé par son frère Antonin tout juste diplômé de l’École centrale des arts et manufactures et ami du scientifique Georges Le Monnier, reprend la verrerie. Afin de donner de l’impulsion à l’entreprise qui parvenait difficilement à se redresser, la production est orientée vers l’art grâce à la création d’un département spécial confié à Antonin. Tous les moyens ont depuis été mis en œuvre afin de se placer dans le sillage de la très célèbre verrerie Gallé dont le succès doit beaucoup à l’exposition universelle de 1878. Antonin innove en décorant de motifs végétaux gravés à l’acide puis à la roue, des pièces qui à l’origine étaient bien ordinaires. C’est ainsi que la verrerie connaît un essor considérable, accru par le succès rencontré lors de l’Exposition des arts décoratifs et industriels de 1894. La manufacture élargit alors sa clientèle, séduite par des innovations aussi bien techniques qu’artistiques, issues d’un savoir-faire raffiné qui n’orne plus que des tables ordinaires. DAUM frères osent la ronde-bosse de verre ou de cristal, la pâte de verre modelée, soufflée ou gravée. Antonin et son atelier créent quelques trois mille références d’art distinguées. En 1914, l’entreprise a quitté le rang de manufacture pour celle d’atelier artistique, reconnu pour ses décors, autant que pour ses inventions techniques : ils obtiennent le premier grand prix de verrerie lors de l’exposition universelle de 1900 et participent aux grandes expositions de tout le début du siècle. Ils savent collaborer avec les plus grands génies de l’art pictural contemporain, comme Salvador Dali, Paloma Picasso, ou César, mais savent également se révéler maîtres de la création grâce à leurs 350 artistes, héritiers de l’Ecole de Nancy.

Ecole de Nancy, fer de lance de l’Art nouveau en France :

A la fin du XIXe, les recherches très poussées des verriers Daum, Gallé et Louis Majorelle aboutissent à la création de l’Ecole de Nancy ou « alliance provinciale des industries d’art », dont le but était de faire rayonner tous les domaines de l’artisanat décoratif de Nancy, artisanat fort touché par la guerre de 1870 mais qui n’avait pas tant perdu son potentiel. Les verriers s’inspirèrent essentiellement de formes végétales et animales, souvent tirées des décors médiévaux tardifs et rococo : ils constituent les objets les plus représentatifs de l’Art Nouveau, ô combien distingué. Grâce à l’Ecole de Nancy, l’art fit une entrée remarquable et remarquée dans les foyers, via des objets aussi utiles qu’esthétiques qui valorisent la production ouvrière et artisanale. Même si l’Art décoratif des années 1920 marginalise l’esthétique florale pour un style plus épuré, les verres DAUM dans le style Art nouveau sont toujours considérés comme des chefs-d’œuvre, comme en témoigne le musée de l’École de Nancy, (1964). Au XXe, les œuvres de l’École de Nancy participent encore à l’identité de la ville et constituent un vecteur de communication majeur de la Lorraine.

Pauline Balayer (étudiante à l’Ecole du Louvre)

À l’origine, le terme « icône » désignait, dans le monde chrétien, toute image religieuse, quelle qu’en soit la technique : peinture, mosaïque, orfèvrerie, tissu… Dans l’acception moderne, il désigne une « image religieuse » peinte ou sculptée, destinée au culte chrétien, et plus spécifiquement orthodoxe.

De Byzance à Moscou : une formidable diversité des styles

Originaire de Byzance, c’est dans une Russie convertie au christianisme depuis le X° siècle, que l’art de l’icône trouve une terre d’accueil particulièrement fertile. Très vite, des ateliers de peinture se développent à Kiev, Souzdal, Rostov, Novgorod, Pskov et Moscou, menant cette peinture à son apogée. L’icône russe devient dès le XII° siècle un art unique en son genre, reconnaissable à sa technique artistique et son langage iconographique particulier. À partir du XIV° siècle, Moscou s’impose également dans cette iconographie religieuse et Maître Denis, puis Roublev contribuent au nouveau rayonnement de l’école de Moscou. Roublev est un nom d’autant plus important qu’il compte parmi les premiers peintres d’icônes à être identifié et nommé. En effet, la tradition exige l’absence de signature car l’iconographe est seulement l’instrument de l’Esprit Saint. Au mieux pendant de longs siècles, peut-on identifier la provenance d’une icône selon son style qui va en déterminer l’école. Ce style varie bien sûr selon la date de réalisation, ainsi les traits de caractère évoluent selon si l’œuvre appartient aux premiers siècles de la chrétienté, si elle provient du Moyen Age, de la Renaissance (où l’influence italienne est manifeste), du XIX° siècle (au caractère saint-sulpicien) ou encore du XX° siècle, avec le retour aux traits théologiques originels.

Le message de la foi

Parmi toutes les formes d’art graphique, l’icône occupait la première place dans la vie quotidienne Russe, constituant l’unique symbole de la foi et la principale forme d’expression de la pensée religieuse et du sentiment populaire. Considérée comme un pont entre l’homme et la divinité, l’icône est avant tout un support de la foi. Constituée de symboles, comme les lettres avec lesquelles on pourrait écrire un texte sacré, l’icône – et par extension la religion – se fait ainsi accessible à tous : « Si un païen vient à toi et te demande : montre-moi ta foi, mène-le à l’église et montre-lui les saintes images. » En effet, l’icône a toujours eu le même but que l’œuvre littéraire : elle devait produire une mutation dans la conscience du récepteur : elle devait imprimer son esprit et son cœur, jusqu’à guider son attitude sur la voie du Bien.

Plus qu’une œuvre cultuelle, le symbole et l’identité d’un peuple

Art de transmission de la vie dogmatique et spirituelle pour les croyants orthodoxes, l’icône est aussi et surtout un art qui représente le peuple de ses croyants à travers les époques, les régions, les mœurs, les contextes socio-politiques… bref, à travers leur Histoire. C’est pourquoi une icône byzantine racontera une histoire différente d’une icône russe, c’est pourquoi une icône de l’école de Moscou révélera complètement autre chose qu’une icône de l’école de Novgorod. L’icône occupe donc une place d’importance dans l’Église orthodoxe : elle est le symbole d’une foi vivante qui traverse les époques chargée de son message divin.
Pour les profanes, l’iconographie orthodoxe est davantage une richesse culturelle et historique. Elle témoigne d’une culture exceptionnelle et renseigne les différents experts et chercheurs sur l’évolution des peuples orthodoxes ; ce sont des cartes identitaires d’une valeur inestimable, en plus de représenter un caractère artistique des plus admirables. Elle nous informe sur les mouvements de la foi, sur les divisions et les rapprochements dogmatiques, sur la vie et les mœurs des nombreux croyants, etc.

Cette théologie vivante exprimée par les icônes russes reflète la beauté de Dieu et de ses saints. Ces images saintes se révèlent être au cœur de la spiritualité orthodoxe. Etant donné l’importance de son rôle et son inspiration byzantine, l’icône russe vient s’inscrire dans la continuité d’une grande tradition artistique et son évolution offre un exemple unique d’artisanat d’art.

Par Elodie LUTUN (étudiante à l’ICART)