A plusieurs reprises, nous avons parlé dans le Blog Antiquités, des chaises pour enfants  car c’est très certainement l’un des premiers et seul élément de mobilier a s’être adapté aux enfants mettant en ce sens en application les théories de cette éducatrice de renom que nous apprécions particulièrement, Maria Montessori.

Dans un précédent article, nous avons également parlé des Chaises d’écolier et aujourd’hui, notre regard se tourne vers la chaise haute.
Celle-ci a pour vocation première, de mettre l’enfant à la hauteur de l’adulte quand celui-ci est assis; la tablette permet de poser une assiette à l’heure du repas, ou un jeu à d’autres moments de la journée.

La tablette est mobile; elle bascule vers l’arrière permettant ainsi à l’adulte d’y placer l’enfant.
Ensuite quand la tablette est rebasculée vers l’avant, elle sécurise l’enfant l’empêchant de basculer.
Généralement, un « petit bouton » maintient la tablette fermée.
Néanmoins, il est essentiel de toujours se rappeler que l’enfant est plein de vie, qu’il remue et ce type de siège haut, nécessite la présence permanente et rapprochée d’un adulte.
Il y a toujours un risque de chute !
Il faut être vigilant !
Tous les grands fabricants de sièges, se sont intéressés et ont proposé des chaises hautes, comme ce très joli modèle ancien portant le Label J.J. Köhn; citons bien évidemment Thonet, Fischel et Baumann, dont l’origine et la spécialité était le mobilier pour enfants.
Plus récemment, dans les années 1950, de nouveaux modèles sont apparus et certains avec un côté, modulable.

ACHAT

L’achat d’un meuble ancien ou d’un objet d’art est délicat ou difficile. Il exige une véritable science ou à défaut, une parfaite confiance dans les professionnels qui guident le visiteur dans son choix : c’est ce que propose la Foire de Chatou où chacun peut discuter avec des spécialistes et obtenir toutes les garanties qu’il est en droit de souhaiter dans le domaine de l’antiquité-brocante.

VENTE

Avec plus de 800 brocanteurs-antiquaires, venus de tous les coins de France, la vocation de la Foire Nationale à la Brocante de Chatou est celle d’un grand marché International de l’Antiquité : Américains, Allemands, Belges, Italiens, Hollandais, 100.000 visiteurs ne manquent plus jamais les rendez-vous d’automne et de printemps sur l’île de CHATOU de cette Foire Nationale à la Brocante devenue la plus importante manifestation Européenne de l’Antiquité-Brocante. Tout particulier qui souhaite se défaire d’un meuble ou d’un objet trouvera sans difficulté un marchand acheteur qui se déplacera au domicile du vendeur et lui apportera la sécurité voulue en matière de paiement.

LE TEMPS DE LA CHINE

Kyrielles d’objets, de meubles rares, utiles, insolites ou amusants font de la Foire à la Brocante de Chatou le paradis de l’amateur et du collectionneur.

On y vient pour chiner, fouiner, mais aussi flâner et humer l’air du temps: chaque découverte est un plaisir particulier.

Déjà amorcé sous Louis-Philippe, l’engouement pour tous les styles antérieurs semble la règle avec le Second Empire. Époque du pastiche, le Second Empire a donné naissance à un art, caractérisé surtout par l’interprétation de réminiscences du passé. De ce fait, l’expression « style Napoléon III » apparaît-elle comme ambiguë, regroupant un mobilier d’une grande variété mais non sans contradictions. L’on ne cherche pas à créer des meubles nouveaux, mais « à retrouver » des styles qui sont successivement remis à la mode, ce qui explique la multitude de « styles » cohabitant sur le même meuble ou le même objet.

Le mobilier : signe extérieur de richesse et de bon goût

Selon cet éclectisme triomphant, le style Napoléon III nous a donc légué des réalisations intéressantes dans la décoration intérieure, empruntant des motifs architecturaux, un goût de la surabondance, ainsi que d’une vive inclination pour les dorures et la polychromie. Destiné à une société enrichie qui veut briller et  séduire, le mobilier Napoléon III veut avant tout paraître. La richesse de l’ornementation tient lieu de qualité ; aussi, le goût du faste de l’époque se retrouve dans le mobilier, la décoration et l’orfèvrerie. Le comble du luxe se retrouve dans une mode nouvelle selon laquelle un style particulier est assigné à chacune des pièces d’un intérieur : la salle à manger Renaissance, une chambre Louis XV, un bureau Empire, un salon Louis XVI, etc… Le style Louis XVI, qu’aimait passionnément l’Impératrice Eugénie, fut d’ailleurs largement mis à contribution.

Le style Louis XVI : une redécouverte de l’Antiquité

Le style Louis XVI est un style d’ameublement et de décoration employé de 1774, date du début du règne de Louis XVI, à 1785 environ ; il s’est inscrit dans un mouvement européen de retour au classicisme dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. En effet, le XVIII° siècle est une époque charnière où l’on redécouvre l’Antiquité avec la mise au jour des vestiges d’Herculanum (1738) et de Pompéi (1748). Le style antique influença grandement le mobilier de style Louis XVI et en fut l’un des thèmes récurrents. L’on y remarquera aussi l’influence de Madame du Barry, la favorite du roi Louis XV, au goût certain pour le classicisme. Ce style incorpore des éléments gréco-romains tels que des colonnes, frontons, portique… aux proportions harmonieuses.

Vers des formes plus sages

Le mobilier Louis XVI est en opposition au style Louis XV : il rejette les formes « rocaille » du style Louis XV et revient à la rigueur des formes géométriques inspirées de l’Antique. La structure des meubles est remise en valeur avec des formes rectilignes et rigoureuses telles le rectangle, le carré, le rond et l’ovale, empruntés à l’architecture néo-classique. Le piétement du mobilier reprend lui aussi les éléments du style antique avec notamment le pied cannelé ou encore la colonnette carrée.
Nous retrouvons ici, sur ces sièges toutes les caractéristiques du style Louis XVI, en témoignent les lignes droites et géométriques ainsi que les dés de raccordement aux angles de l’assise qui accentuent l’aspect classique. Par ailleurs, le siège dispose de pieds cannelés, caractéristiques.

Le confort inédit du fauteuil à la Reine

Ces fauteuils appelés « fauteuils à la reine » présentent un dossier plat qui les différencie des sièges dit « en cabriolet » au dossier incurvé. Ces sièges à la reine ont vocation à être statiques, disposés le long des murs et des boiseries, et sont qualifiés de meublants contrairement aux autres sièges, plus légers, qui se déplacent dans les pièces au gré des usages, gagnant ainsi leur appellation de meubles volants.
Très à la mode dans les années 1750-55, ce style de fauteuils offre un gracieux compromis entre les nouvelles exigences de confort et sa destination officielle d’origine. Le dossier est droit, incliné en arrière, délaissant une position trop rigide. Les accotoirs s’ouvrent vers l’extérieur dans d’énergiques nervures, et l’élégant mouvement de leur dessin équilibre l’évasement spacieux de l’assise. La qualité des sculptures est aussi particulièrement notable : le décor, tout en motifs de rais de cœur, feuilles d’acanthe, rubans et branchages offre une composition des plus harmonieuses.

Par Elodie LUTUN (étudiante à l’ICART)

Les bustes de terre cuite de Charles Massé 1855-1913 :

 

Le portrait en 3 dimensions :

 

Expertissim présente des bustes de terre cuite de Charles Massé que l’on pourrait qualifier de portraits, sans pourtant en connaître les identités, tant ils sont expressifs.

L’art du portrait existe depuis l’Egypte ancienne dans l’art funéraire et servait à représenter les grands personnages dans le monde de l’au-delà, afin de mieux les accompagner après la mort. Il faut attendre la Rome antique pour voir l’apparition de portraits en bustes : ces statues de pierre ou de marbre à but politique, incarnent l’autorité d’un homme puissant tout en laissant à la postérité une image de sa personne et de son œuvre. Après avoir été longtemps réservé aux hommes illustres, à la représentation des seigneurs détenteurs du pouvoir temporel et aux grands hommes d’Eglise qui financent une œuvre d’art à la gloire de Dieu, le portrait s’émancipe et acquiert une dimension privée au XVe. Les commanditaires que constituent la bourgeoisie émergeante flamande, les courtisans et nobles italiens désireux de reconnaissance sociale, n’hésitent plus à se faire représenter en peinture comme en sculpture, en buste, en pied ou à cheval, tels des héros antiques. Ces modèles hésitaient beaucoup à se faire représenter dans un contexte quotidien mais préféraient à cela les mises en scène symboliques et allégoriques qui les valorisaient. Le XVIIIe verra l’introduction du portrait psychologique, prélude à la période romantique de l’expression du Moi, où derrière des aspects d’oeuvre non-finie, tout l’art du portrait est concentré sur la figure intime du sujet, qui constitue a elle-seule une gamme infinie d’émotions et de sentiments.

Le XIXe, et surtout la fin de ce siècle, voit le triomphe de la statuaire et du portrait. Ces œuvres sont commandées par la bourgeoisie désireuse d’orner les appartements haussmanniens de portraits de famille, plus simples et plus humbles ; la sculpture préfigure alors le rôle de la photographie que n’est encore qu’expérimentale. On apprécie beaucoup les bustes d’enfants souriants et innocents, de jeunes femmes élégantes et l’on fait aussi bien appel aux artistes pour la sculpture de grands hommes qui siègeront sur la place publique, que pour des images plus intimes et plus personnelles. Les ateliers de portraits connaissent leur âge d’or et diffusent des œuvres pour un public bien plus large que ce qu’il put être dans l’histoire du portrait.

 

 

L’étendue des émotions humaines incarnée dans une terre cuite :

 

C’est dans ce contexte que Charles Massé crée ses bustes de terre cuite, auxquels il donne parfois une polychromie pour mieux leur donner vie. Le petit couple élégant qu’Expertissim présente se font pendant, se sourient affectueusement et vivent vraisemblablement un échange de regards entendus. C’est avec la plus grande complaisance que nous partageons ce moment complice si bien incarné dans l’argile.

Le buste de Jeune Femme Maure témoigne, quant à lui, d’une manière différente du contexte artistique du XIXe. L’attrait pour l’exotisme s’accroit sans cesse, comme cette œuvre peut en témoigner. Charles Massé nous donne à voir un moment de méditation, pendant lequel cette personne pensive mais concentrée, tournée vers le ciel avec toute l’attention que pourrait y mettre une personne charnelle, est peut-être en prière. Nous ne pouvons qu’avoir envie de partager avec elle cette minute de réflexion, rendue atemporelle par l’art de la sculpture.

 

Pauline Balayer (étudiante à l’Ecole du Louvre) 

 

 

 

 

 

Jean-Baptiste MILLET (1831-1906) : Côtes de Gréville.

Le frère du Maître, un disciple qui a su prendre son envol :

La famille d’artistes Millet est bien connue pour ses scènes réalistes représentant la vie paysanne au quotidien auprès du foyer, les glaneurs et les gardeurs de troupeau. Pourtant, Jean-Baptiste, frère du très célèbre Jean-François Millet qui était de dix-sept ans son aîné, excellait tout autant dans l’art du paysage que dans la peinture plus rustique. Jean-Baptiste Millet fit ses premières armes dans l’atelier de son frère, artiste dont il s’inspira tout au long de son œuvre. Il assimila d’autant mieux la manière de son frère qu’il en reproduisit les chefs-d’œuvre en gravure, tels que la Bergère assise. Néanmoins, plusieurs de ses aquarelles ont été présentées à la deuxième exposition Impressionniste qui a eu lieu en 1876 à la galerie Durand-Ruel ; celles-ci témoignent des talents de l’artiste à savoir représenter l’atmosphère avec transparence et légèreté, annonçant un ralliement aux nouvelles doctrines esthétiques qui privilégient la contemplation des paysages brumeux.

Le paysage au XIXe, les artistes à la conquête de la nature :

L’Académie Royale de Peinture, créée par Richelieu en 1648 par Charles Le Brun imposait les sujets aux artistes et privilégiait la peinture d’histoire au Salon. La peinture de paysage, qui fut longtemps méprisé par la hiérarchie des genres, connut son siècle de gloire au XIXe.
A partir des années 1830, la forêt de Barbizon devint un véritable lieu de pèlerinage pour les peintres qui aimaient peindre sur le motif, c’est-à-dire en plein air. Cela devint possible grâce à l’invention industrielle du tube de peinture souple, qui permettait de transporter et conserver les pigments hors de l’atelier et donc de se laisser aller aux plaisirs de la peinture en extérieur. Dès lors, des personnalités comme Camille Corot ou Jean-François Millet constituèrent l’« Ecole de Barbizon » où la peinture de paysage n’était plus dévalorisée mais au contraire constituait le pilier de la création artistique. A l’aube du socialisme, les paysans qui labouraient les terres avec humilité rendaient la campagne encore plus admirable.
Puis, vinrent les impressionnistes menés par Monet, Manet, Pissarro et Sisley, qui affirmaient l’héritage de Jean-François Millet. Ces artistes conquirent également Barbizon comme en témoigne le fameux Déjeuner sur l’herbe (1863) et excellaient particulièrement dans l’art du paysage naturel où l’on ne distinguait que les lignes d’horizon et les figures qui s’en détachaient. Millet affirmait d’ailleurs qu’il ne voyait que deux choses lorsqu’il peignait : le ciel et la terre séparés par l’horizon, ce qui frappe d’ailleurs dans le dessin de Jean-Baptiste Millet qu’Expertissim présente.
Jean-Baptiste Millet, un artiste démiurge :
Bien que le peintre ai préféré la technique du fusain à la peinture en tube pour représenter cette marine représentant les côtes de Gréville, sa ville natale, le paysage a bien été dessiné sur le motif, dans la lignée des conceptions artistiques initiées par l’école de Barbizon. Cependant, le paysage ne contient aucune figure humaine, laissant tout l’espace naturel vierge afin que le contemplateur puisse, comme l’artiste, s’abandonner à la rêverie et à l’admiration du paysage immense qui à cette époque n’était pas encore conquis par les baigneurs.